静物

第一张图是 Edward Weston 拍的柿子椒，Edward 这人挺逗的，专长拍摄各类瓜果蔬菜，青椒、圆白菜、洋葱、胡萝卜、鸡蛋、香蕉等等。他也擅长拍人像，但更多还是把活人也当静物来看待，因为他拍的裸女都不带脸，你如果有兴趣可以科学上网，自行 Google。

第二张是街头摄影师 Matt Stuart 拍的工程垃圾车，画面里没有人，都是静物。视觉错位是街拍爱好者一开始最喜欢拍的题材，很多人也尝试去模仿，但结果一般都不太让人满意，主要在于画面不够简洁……具体原因就不展开讲了。

总而言之，我想让你想一下，如果是你有一柿子椒，或者是你看见一垃圾车，你会拍成什么样儿——很可能是这样：

所以，在摄影的语境下，静物到底是什么？我个人认为，静物其实是你自己，是你希望看到的东西，是你观察世界的角度。顺着这个思路我们往下捋，我们先从拍食物入手。

大部分摄影爱好者在有了相机、草草地拍过一段时间以后，就不知道接下来该拍什么了，更不知道自己为什么要拍了。

举个例子，很多摄影爱好者都很喜欢“扫街”（拿着相机满世界溜达，走哪儿拍哪儿），他们一开始会被街上的“人间烟火”所吸引，他们觉得那些东西特别有人情味儿，拍出来显得特别人文，你懂的……但拍了一阵之后，那新鲜劲儿就过去了，再加上出片量可能不尽如人意，那些照片不再能给自己带来成就感，最后，这场摄影之旅基本都是无疾而终，相机开始吃灰，吃一年两年三年，吃到他们突然发现了一套特别好的摄影入门教程，才又开始用起来了。很多人拍照片都很盲目，根本没搞清楚自己想干嘛，所以也很难拍出好照片。

结合我们前面学过的知识，我们来看看食物怎么拍。

我看过很多美食照片，拍摄角度基本上就两种，像第一排，从正上方拍，像第二排，从斜上 45° 左右的角度拍。你可以去网上搜一搜美食照片，所有的美食照片，基本就这俩角度。

而且，不知道你发现没有，从正上方拍，景深通常都很大，但相机只要稍微斜一点儿，景深一下就浅了。所有照片捋一遍，步调之统一，就跟一个人拍的似的。我们可以用我们学过的知识来分析一下为什么会这样。

首先，从正上方拍，一般很难把相机架到特别高的地方，所以相机离桌子的距离会比较近，如果想把桌子拍全，就要用广角镜头。注意看第一排的三张照片，越靠近照片边缘处的圆形越不圆，它们被镜头边缘的畸变拉变形了，这就验证了我们对镜头使用的猜测。我们之前说过，广角镜头本身景深就比较大，再加上从上往下拍，盘子啊碗啊什么的高度也都差不了太多，所以一张照片看上去就非常清晰，没什么虚化效果。

我们再来看第二排，斜上 45° 拍摄。在这种情况下，一般都会选择标准镜头，或者是中长焦镜头，更专业的会用微距镜头，为了突出食物本身。用这些镜头的目的是收缩视角，方便屏蔽掉不必要的画面元素，也可以省去布置背景的麻烦。另外，长焦镜头有压缩空间感的功能，用长焦斜着拍可以让桌上的吃的显得满满当当，一个挨一个，特别紧凑。

所以这两个角度是两种不同的思路：

• 正上拍，广角镜头，大而全，画面中的元素很分散，需要靠“补位”的方法，也就是说靠添加道具和视觉元素的方法让画面丰满起来；
• 斜上 45°拍，标准或中长焦镜头，小而准，尽可能靠窄视角和浅景深来简化背景，只突出前景的一种食物。

我们再来看一眼这两排照片有没有什么共性。用心看我们会发现，这些照片用的基本都是软光，光很平，很均匀，同时颜色也非常正，白色就是白色，这就涉及到了我们之前说过的白平衡。与此同时，颜色也很饱和，很明亮，不会暗了吧唧的。其实“颜色正”和“很明亮”大概率可以让照片显得比较高级，那些乱七八糟的滤镜虽然有时看着还挺好看的，但不管怎么说，它们都会让你的照片显得特外行。除此之外，这些照片的画面都非常简洁，除了食物本身和与食物有关的道具以外，不会出现其他无关的东西，这一定是人为干预画面的结果。所以，如果想拍出正经照片，先从“颜色正”开始，别一上来就追求滤镜风。

举个失败的例子：

相比于上面那些照片，虽然我们的构图和拍摄角度都差不多，但我的照片就显得非常游客。即便我也没那么喜欢他们那些照片，但我还是得承认我这张更完蛋。

这些照片需要的就远不止“知道怎么用相机”了，它们完全是人造画面。拍它们需要想象力，需要执行力，需要制定拍摄方案，进行场景设计，布光、拍摄、后期一样都不能少。很多人苦于自己没有想象力，总觉得自己拍的东西没有个性、千篇一律，如果你天天只看只拍标准照，当然不会激发你的想象力，最多能训练训练你的观察能力。所以，在掌握了技巧以后，你一定要学会人为干预画面，人为设计画面，多看、多拍、多偷师，日积月累，你也能构思出不同于他人的画面。

去年我买了一对手办，黑武士和暴风兵，我从来没拍过小玩具，所以很想试一试。如果我用手机随便一拍，基本就是这样的：

发朋友圈够用了，但我不是很满足，我准备用家里随手能找到的光源打打光，试拍的时候拍成了这样：

随后我加了几个光源，利用光的平方反比定律把白墙压成了黑墙。

但我还是不满足，觉得还可以更精致，整个过程历经了将近十个小时，几百张照片（这俩小人儿老是站不住，而且他们身上能动的零件太多了，很麻烦）……最终，拍出了一张这样的：

过程中我用了一堆“设备”（仨台灯、俩反光板、一把手电筒，一部测光表等等等等），但拍到最后这一张，就只剩下了三样设备：相机、三脚架和一把野外用的手电筒（可调焦距，有强弱两档输出功率）。我把相机支好，参数调好，定时拍摄设置好，这样每次按完快门以后有 5 秒钟的时间留给我跑过去用手电筒给黑武士和暴风兵打光。一次只打亮一点儿，顶光、侧光、逆光、侧逆光、面光，等等，光线有硬有软，有强有弱……拍了大概二三十张，然后靠后期合成，拿 PS 里的蒙版擦擦擦，又搞了两三个小时，最后搞出来了这张照片。

静物确实就是一些不会动的东西，但它们能以什么样的面貌示人，其实全指望你呢。

不知道你还记不记得我们第十课讲“什么是好照片”的时候提到过一个观点：如果一张照片的“好看”全是由外因导致的，那这张照片大概率会是一张平庸的照片。西餐是很容易拍好看的，但我们要学会判断，在一张好看的西餐照片里，是大厨的功劳大还是摄影师的功劳大。想拍好照片，我们就要带着这样的眼光来审视我们身边的照片。

另外，不知道你有没有发现，我们之前学过的基础知识在讲实战的时候都来凑热闹了，掌握它们，我们就可以分析照片。我之前也说过，会分析才能谈模仿，能模仿才能自主创造。现在我们看一张照片，我们可以大概“猜出”摄影师用的器材，“猜出”摄影师的拍摄意图，“猜出”摄影师拍摄时的处境和需要面对的棘手问题……想“猜出”这些东西，需要我们掌握摄影的基础知识，需要我们在实操中总结经验。单纯靠在网上学习“摄影小技巧”，照猫画虎地对照着那种步骤图按快门，是不可能让你学会拍照片的。

说回到静物，拍静物的时候不要寄希望于静物本身有多吸引人。它静静地待在那儿，它需要你上手摆弄它，需要你人为干预它，需要你用你独特的视角、敏锐的观察能力和脑洞大开的想象力帮它重获新生，拍出它超越日常视觉观感的一面。

我在日常生活中掏相机的次数越来越少了，我当然可以说“凭我的经验，我觉得这东西没啥好拍的”，事实可能也确实是这样，但我的日常生活真的就什么都不值得拍了么？

Christopher Anderson 跟滨田英明都拍自己的老婆孩子，川内伦子拍西瓜皮， Matt Stuart 拍垃圾车拍鸽子腿，这几位都是我们之前课里提到过的人。除此之外，还有拍老婆孩子跟狗的森友治，还有主职当保姆、兼职“业余”拍照片的 Vivian Maier。Vivian 当了四十年保姆，拍了四十年照片，只要出门就带相机，拍了十五万张底片——但她从没给别人看过，甚至大量底片都没被冲洗过，也就是说，她拍的好多照片连她自己都没见过。

拍得好的人必然是长年累月只专注于一种题材。去看看那些有名的摄影师，风格、题材一致得几乎吓人，几十年下来拍同样的东西。如果你喜欢拍一个什么东西，但拍着拍着就觉得没劲了，那应该就是其实你也没那么喜欢那个东西。

我老师说过：“我希望能帮大家改变对摄影的看法，单纯因外界刺激而拍摄是无法在日常保持拍摄热情的。摄影的至高境界是无中生有，是建立一种自己独特的观察方式。”

人物

人，是一种取之不尽用之不竭的“自然资源”，但是不知道你有没有发现，我们日常正经拍照的时候，拍静物和风景远多于拍人，即便我们拍身边的人，比如家人、朋友、同事，更多地也只是在单纯地记录，反倒是去旅游的时候拍当地人，才会认认真真过脑子，想着怎么能把他们拍好看。这是几乎所有摄影初学者都有的一个误区，没能养成观察、思考日常生活的习惯，认为只有出远门才能拍到好照片。所以，还是那个意思，我们要想办法尽量从日常中取材，一味地追求新鲜感是无法长久地持续下去的。

我老师给基本她的每一个学生都留过一个作业——拍一张肖像。模特要找身边的人，光源尽量要用自然光。我当时给一个朋友拍了一张肖像照片，完成了这个作业，然后从这张照片开始，我一鼓作气又拍了好几十个人，深刻地理解了肖像之难。

拍肖像最容易搞定的难点是技术问题，所以我们先简单来说说拍肖像都会涉及到哪些技术。

首先，镜头用什么焦段。我在专门讲焦段的那节课里也说过这事儿，广角镜头由于透视畸变会把人脸拉变形，所以如果你想拍大头照或半身像，同时又没有什么特殊需求，可以尽量用焦段长一点的镜头，它们比较贴近人眼的自然视觉。但太长也不行，用一支 400mm 的镜头拍人，能把人脸拍成大饼，另外，用特别长焦段的镜头拍人还有一个非常误事儿的弊端，我们之后会说到。所以，考虑到我日常还得拍一些纪实题材的照片，我选择了 24-70（24mm-70mm）这支镜头，平常拍纪实的时候用 50mm 以下，拍肖像的时候把镜头拧到 70mm 端。

普遍意义上最好的肖像镜头大家都说是 85mm 和 105mm，室内用 85mm，室外用 105mm，主要是因为距离和透视都合适，但其实焦段选择这事儿也没那么绝对，还是取决于你想要什么样的视觉效果。

接下来，用多大光圈进行拍摄。如果拍肖像（头像、胸像或半身像），用 70mm 焦段的镜头，我大概会距离被摄对象 1-1.5m。70mm 焦段的镜头在对焦距离是 1m 的时候，如果光圈是 F5.6，景深大概是 6cm，足够覆盖从鼻尖到耳朵的距离。为了保险起见，我也可以再后退半米，这样一来景深又会增大 9cm，变成 15cm，如果我对模特的眼睛进行对焦的话，即便我的手和被摄对象有前后轻微的摇动，我也能确保人脸上的一切都合焦。所以我会在比 F5.6 小的光圈范围内做选择，光圈开得越小越保险，因为景深范围更大。

再来，光源。手边儿找，有窗户就用窗户，有台灯就用台灯……如果用窗光，有纱帘或窗帘最好，因为纱帘就相当于柔光罩，窗帘就相当于遮光板，方便我控制光源质量和方向。台灯最好有灯罩，跟窗帘是一样的道理。在学完“光”的那三课之后，我相信你现在应该明白我说的是什么意思。

有的时候，在环境非常昏暗的情况下，屏幕调到最高亮度也没有多强的光照，当然，其实我可以进一步把光圈放大。我这支镜头的最大光圈能开到 F2.8，相比 F5.6，大了两档曝光，其实非常好。但 70mm 的镜头，F2.8，对焦距离在 1.5m 的时候只有 7cm 的景深范围，也就是说，我稍微晃一下，或者被摄对象稍微晃一下，就有可能失焦，我不想冒这个险，所以我把死了光圈，最大不能超过 F4。

那除了光圈，我还能怎么控制曝光？当然是快门和 ISO，我就不细说了。最终，我得到了一组终极参数：光圈 F4 是上限，不能再大了；快门 1/13s 是下限，因为 70mm 焦段镜头的安全快门是 1/70s，而且我是手持拍摄一个可能会动的对象，所以不能再慢了；ISO 800 是上限，为了保证画面纯净度，不想再高了。我为什么要说这个终极参数？因为很可能用这组极端参数拍出来的照片也曝光不足，但没有关系，差三四档曝光都没有关系，把 RAW 图放进 PS 或 LR (Lightroom，图片处理软件)，分分钟拉起来。插一句，如果我用闪光灯，那这一切就会变得非常简单，因为闪光灯的可塑性太强了，跟随手找光源完全不是一个维度上的事儿。

好，说回来。为什么我没有追求前期就把曝光搞定？因为我知道，有些东西后期可以补救，有些东西前期没拍好后期没招儿。曝光不足是后期可以补救的，噪点稍高一点也是后期可以补救的，但是由于光圈太大而导致的失焦和虚焦是后期无法解决的，由于快门速度太慢导致的糊片也是后期无法解决的。所以我们前期拍摄的时候，要把注意力放在那些只能在前期解决，后期无法补救的要点上，每做一步都要在脑子里权衡优先级。

拍肖像，最简单的就是过技术这关。你听我说得天花乱坠的，但其实你上手拍几张，心里也就有数儿了，就知道参数应该怎么设置了。但即便你不需要为技术问题操心了，你可能还是拍不出特别好的肖像。所以我们来看几张真的特别好的肖像作品。

Peter Lindbergh

Irving Penn

Yousuf Karsh

东松照明

张乾琦

植田正治

如果想让人像照片出彩，有两点至关重要，比技术重要好几万倍。

首先，被摄对象本身要吸引人，这个“吸引人”不是说一定要好看，也不是说一定要难看，它更多指的是这个人带给你的感觉。好的人像摄影师最擅长的就是把这种感觉给拍出来。这不是玄学，重要的是作为摄影师，你要学会观察你的被摄对象，隐藏或突出这个人的面部特点，抓住这个人不同于以往、不同于他人的状态。

好的摄影师把日常生活里能见到的普通人拍得特别出彩，就是因为摄影师抓住了他们最精准的神态，而这个神态通常都来自于眼睛。换句话说，观察一个人，要看他的眼神， 一张人像照片里，没什么比眼神更重要，只要眼神对了甚至都不用看脸。

人像摄影的精髓，就是抓住人脸上瞬息万变的神态。

而为了调动起这个神态，摄影师就要学会与被摄对象交流，这是第二点，也是我们这节课的正题：会聊天比会拍照片更重要。摄影师的任务不光是拍摄，还要引导，尤其是当你想让你的被摄对象更自然一点的时候，因为大家面对镜头，或多或少都会有一点不自然。在整个过程中，交流才是重中之重，通过交流，让你的被摄对象卸下防备，你自然就能拍到你想要的效果。

人像都是得到了被摄对象许可的拍摄，所以获得拍摄许可就得费半天唾沫星子。但许可并不代表信任，在获得许可之后，你的被摄对象还是会有两种状态：他们会在你拿起相机时变得拘谨，刻意摆出一些做作的表情和姿势；他们会在你放下相机时平和安详，轻松自然。所以你需要在这个时候跟他们进一步交流，在获得许可之后再取得他们的信任。而只有真正取得了信任，他们能听任你摆布之后，你才能让他们进入你想让他们进入的状态，可以是放松，可以是紧张，可以是开心，可以是难过……也可以是平静。

现在就可以说回到刚才讲焦段选择时遗留的那个问题了：为什么用太长的镜头拍肖像有弊端？中焦镜头除了在视觉上更适合拍肖像之外，还有什么优势？

如果用 85mm 的镜头拍肖像，我们离被摄对象的距离大概是两米多，用 105mm 的话，大概是三米多一点，这就涉及到了心理距离。有研究表明，通常我们会认为，以我们自己为圆心，大概半米之内属于亲近区，半米以上 1.2m 以下属于个人区，1.2m 以上 3.6m 以下属于社交区，3.6m 往上属于公共区。所以用 85mm 和 105mm 的镜头拍人像，正好可以保证我们在被摄对象的社交区，不近不远，不会近到给被摄对象造成心理压力，也不至于远到跟被摄对象没有情感联结，这个距离特别方便聊天

但很神奇的是，被摄对象由于距离不同而产生的微妙的心理变化，会直接反馈在画面上。不同的距离会直接激发人物不同的神态，很多时候甚至比语言交流还管用。摄影师心理素质好不好也取决于他敢不敢靠得足够近，“如果你觉得你拍的不够好，说明你离得还不够近 (If your photos aren’t good enough, you’re not close enough. —— Robert Capa)”，这个“近”，除了指空间上的距离之外，也同样指心理距离。

简单举一个我拍人像的时候的小技巧吧：我会在刚开始拍的时候告诉被摄对象我得先试试光，让他先别急着拿劲儿，但其实我不需要试光，我会一边假装试光一边跟他扯点儿有的没的，有意无意地问点儿需要他仔细想一下的问题，不用是什么深沉的问题，就比如问问他上周末都干啥了，这就足以能让他使劲儿地想一会儿。这样一来，他会很放松，即便是一脸思考状也很放松，然后我就拍完了。

一般拍人像的教程里都会说要多给模特正面反馈，正面反馈会让他们更自信，更自信就更自然。

拍人物，除了肖像之外，还有环境人像。

其实上面的例图里，Margo、筱山纪信、张乾琦、东松照明、川内伦子已经是偏环境人像了，环境人像是啥？谜底就在谜面上，就是环境和人像。这时候，我们除了要关注人之外，还要关注环境，说回来，环境方面有什么是需要我们关注的呢？

1. 观察光线，同样都是在一间屋里拍，你要决定让被摄对象待在哪儿会比较好；
2. 构图，这个不讲，因为没法讲，我会在第十七课说明原因；
3. 体态，被摄对象的体态要自然、要舒服、要像个正常人类，其实我们对人类体态僵硬呆板与否非常敏感，你可以想一想那些模特做作的老法师片儿；
4. 表情和眼神光，其实随着人物在画面中的占比越来越小，表情和眼神光就变得越来越不重要，但还是要稍微注意一下，跟体态一样，要自然、要舒服、要像个正常人类，别太出格；
5. 最后，也是最重要的一点，人物和环境的协调度。

人物要为环境服务，环境也要为人物服务，这两样东西必须相依为命，可以是内在联系上的关系，可以是视觉均衡上的关系，可以是颜色协调上的关系，等等等等。我们来看一组对比图。

这是我前年去成都的时候给秦爷拍的照片，两张照片都看不见人物的面部表情，所以我们可以集中注意力关注一下人物跟环境的关系。

第一张，乍一看都不知道人在哪儿呢，等找到人以后，我们也不知道他干嘛呢。在我们不知道他在干嘛的情况下，环境里的一切都跟他没有关系。而且我们可以看到窗外的树叶子，地上的墩布桶，窗台上的矿泉水，太乱了。类似墩布桶和矿泉水这样的东西，尽管在画面里的占比很小，几乎看不见，但拍照片的时候，我们是要对画面里的每一个元素负责的，如果有多余的无关元素，我们要选择想办法尽量不拍上它们。

拿第二张跟第一张作对比意图很明显，不再多解释了，而且第二张还比第一张拍摄难度大，所以自然第二张会更好。

下面，我们来看看真正好的环境人像长什么样。

不知道你有没有发现，这些照片之所以会给我们“好看”的感觉，除了人物的状态很对、环境与人物结合得非常紧密以外，最重要的就是重点突出，画面简洁。即便不简洁，摄影师也能保证画面里出现的每个元素都是有必要出现在那里的，这是拍好任何类型照片的基础。

除此之外，上面的这些照片，几乎都不是单一人物。所以，在我们掌握了拍一个人的技巧之后，又该怎么调度更多的人，该怎么拍群像？

我们夸一幅画好，经常会说它画得“传神”，这个“传神”也是人像摄影的精髓。人的神态和体态瞬息万变，能捕捉到这个瞬息万变，你就是合格的人像摄影师。与此同时，人像摄影也能举一反三，学会了拍人像，你也就学会了拍动物，拍任何有神态有体态的东西。为啥老法师拍的动物看上去都很土？因为它们不传神，因为摄影师还把动物当动物，没用观察人的方法去观察动物身上的瞬息万变。

当我们都因为距离太近感觉不舒服的时候，我们才能露出我们最本能的一面，那种羞涩，那种不安，那种抗拒。

来源

• 极客时间《摄影入门》 (opens new window)专栏笔记